a ópera vive actualmente un momento excelente. Alejada de sus connotaciones de escaparate social, el género vive en los teatros operísticos (al menos los europeos) no pocas discusiones estéticas. El teatro deviene así el ágora soñada por Gérard Mortier en muchos de sus textos teóricos. El director belga centró sus intereses en convertir la ópera en un mundo abierto a la reflexión y no tanto a la diversión 1 y para ello no dudó en entrar en encendidas polémicas con sectores inmovilistas y reacios a la renovación de la ópera, especialmente en lo que concernía a los nuevos repertorios y la puesta en escena.Más allá de la buena salud del género, consecuencia directa de las hornadas de compositores que, aliados con inteligentes libretistas, proponen partituras ajustadas a los signos de los tiempos, aunando tradición y modernidad, indudablemente parte del auge de la ópera en nuestros días se debe a los soporte audiovisuales, fruto a su vez, de los retos y las múltiples posibilidades de la cultura digital. A menudo, se ha vinculado la ópera con el cine. E incluso -de modo absolutamente injustose ha llegado a culpar al cine del declive del espectáculo operístico a finales del siglo XX (Fernández Guerra, 2009: 26). Esto no solamente es injusto, sino que es falso. La relación entre ópera y medios de comunicación de masas, y en concreto el cine, arranca precisamente con el nacimiento del séptimo arte, retroalimentando unas confluencias que, vistas de cerca, son más que obvias. Incluso la propia
La comedia muda del primer cine de Hollywood se basa en unos recursos expresivos y narrativos que demuestran la voluntad no explícita de experimentación del género, así como la intención de divertir al público. Consciente o inconscientemente, los primeros realizadores y actores de aquellas películas asumieron las convenciones del teatro, de la pantomima y de cierta literatura para ofrecer unos trabajos muy libres en el fondo y en la forma, y que tendrían gran transcendencia en el futuro, como el mecanismo del gag o los trucos visuales. Este texto expone las principales características y tratamiento de tales recursos (automatismo, quid pro quo, violencia y transgresiones, erotismo y travestismo) a través de personajes clave de aquel periodo: Mack Sennett, Charles Chaplin, Buster Keaton o Roscoe Arbuckle, entre otros. Narrative Resources in Hollywood’s Silent Comedy Silent comedy in Hollywood’s early cinema is based on expressive and narrative resources that show the non-explicit desire for experimentation in the genre, as well the intention to amuse the audience. Consciously or unconsciously, the first directors and actors of those movies assumed the conventions of theatre, pantomime and some literature to offer works which were very free in both form and content, and which would be highly influential in the future. This article shows the principal characteristics and the treatment of these resources (automatism, quid pro quo, violence and transgressions, eroticism and transvestism) through key personalities of that period: Mack Sennett, Charles Chaplin, Buster Keaton and Roscoe Arbuckle among others.
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