The study of time, space and movement as constituent art elements was a focus of attention of avant-garde artists. The theatre where events unfold both in space and time became a place of consolidation of Ukrainian artists, with the synergistic association of representatives in various art branches and movements. A scenographic sketch, that is, a two-dimensional realisation of idea of a future four-dimensional work, is a unique phenomenon to study the evolution of the avant-garde’s concept of the space-time continuum. Through the example of works of both distinguished and less known Ukrainian theatre artists we have studied features of the realisation of time and space categories according to the key stylistic directions of the Ukrainian avant-garde: cubism, futurism, cubo-futurism, constructivism, suprematism. A theoretical basis for the study has been provided by works of Western thinkers of the late nineteenth and early twentieth centuries: Edmund Husserl, Henri Bergson, Oswald Spengler, Ludwig Wittgenstein, Maurice Merleau-Ponty, and Meyer Schapiro, along with the Ukrainian art theorists Kasimir Malevich, Aleksandr Bogomasov, and Les Kurbas, as well as works of modern researchers such as Linda Henderson and Igor Duchan. We have drawn a parallel between the development of art concepts in the Ukrainian avant-garde and scientific achievements, and the sense of time and space categories in the philosophical thought of that epoch.
This research makes it possible to better understand the reasons why the artistic mindset for world perception and reproduction has drastically changed during a relatively short transition from the Medieval times to the Renaissance, as well as the factors that accelerated the birth of drawing as an independent form of art and prompted the artists of those times to search for ways to picture the tridimensionality of space.Drawing originated as a tool to research the relations between an object and space, as it’s the definition of space that became perceived and imagined on a basis completely different from that of the Medieval times, thanks to scientific discoveries. The crucial change in the art of the Renaissance era: reproduction of the illusion of 3D space and depth was performed through using new mathematical knowledge. Thanks to the research of M. Kuzansky, M. Kopernik, as well as L. B. Alberti, F. Brunelleschi and other scientists, the philosophic thought of the XV century has redeemed the definition of movement, bringing it to the level of eternity: while earlier, in the Medieval tradition, movement was imagined as a sign of earthly imperfection, transience and impermanence. A person’s own view of the world gained its value. It’s exactly this energy of potential movement of the Universe that we can see all the way through drawings by artists of the High Renaissance. The Renaissance space, that has now gained tridimensionality, is imagined as cosmic and immense, with the objects in it being clusters of an energy field. This Renaissance mindset has kickstarted the birth of art academies in Western Europe, where academic drawing was essential in art education. But today requires an update to the principles of teaching. Recognition of the immediate connection between scientific discoveries and direction of development for the art of drawing (both as an independent art form and an academic subject) will make it possible to define ways for its further progression, and avoid stagnation and obsolescence of educational models. Today, drawing is still a tool of world awareness that also allows exploration of its new properties discovered by A. Einstein at the beginning of the XX century. It is also a modern science with more complex, n-dimensional capabilities.
Анотація. У статті висвітлено тенденції розвитку сучасного візуального мистецтва Китаю в контексті трансформації традицій в ультрасучасні види візуального мистецтва, зберігаючи ключовий посил у первинному філософському розумінні. Фокус дослідження спрямовано на вивчення творчості митців, які трансформують традиційне мистецтво каліграфії в сучасний перформативний акт із метою відтворити відчуття потоку каліграфічних рухів. На конкретних прикладах групових та персональних проєктів здійснено мистецтвознавчий аналіз перформансів сучасних митців як однієї з найбільш динамічних і суперечливих сфер практики експериментального мистецтва в Китаї. У підсумку підкреслено, що поєднання в одному творі «традиційного» з «новітніми» тенденціями сприяє переосмисленню ролі тисячолітніх образів у мистецтві сьогодення, а також ідентифікації художників Китаю у глобалізованому міжкультурному просторі. Інформація, що міститься у цій статті, буде корисною під час поглибленого вивчення мистецтва каліграфії Китаю.
На основі вивчення фондів графіки Дніпровського художнього музею проведено комплексний аналіз рисунку художників Дніпропетровщини. Визначено, що рисунок складав вагому частину у творчості художників краю та розвивався у руслі загального художньо-стилістичного розвитку українського образотворчого мистецтва другої пол. ХІХ – поч. ХХІ ст. Дослідження сконцентровано на виявленні образно-стилістичних особливостей, жанрової структури, розмаїття використання рисункових матеріалів та технік шляхом аналізу окремих аркушів та циклів у спадщині художників П. Окулова, М. Сапожнікова, М. Струннікова, Б. Смирнова, М. Погрібняка, В. Дев’ятніна, М. Кокіна, П. Магра, М. Родзіна, В. Ерліха, М. Козуліна, С. Дубцової, В. Данилова, В. Самохвалова.
scite is a Brooklyn-based organization that helps researchers better discover and understand research articles through Smart Citations–citations that display the context of the citation and describe whether the article provides supporting or contrasting evidence. scite is used by students and researchers from around the world and is funded in part by the National Science Foundation and the National Institute on Drug Abuse of the National Institutes of Health.
hi@scite.ai
10624 S. Eastern Ave., Ste. A-614
Henderson, NV 89052, USA
Copyright © 2024 scite LLC. All rights reserved.
Made with 💙 for researchers
Part of the Research Solutions Family.