As artes no ensino superior: entre a razão e a paixão

Abstract

A formação do artista, diferentemente do que dita o senso comum, depende de um longo processo de formação, que se estende por toda sua vida profissional. Na maioria dos casos, acontece em cursos não formais de teatro, dança, artes plásticas e em conservatórios musicais. No que tange à vida profissional, o artista tem que trabalhar para garantir seu sustento, mas, em grande parte dos casos, a produção artística é vivenciada como forma paralela de trabalho e não como meio principal de ganho. O artista vive majoritariamente de cachês, freelancings, trabalhos por projeto, sem qualquer vínculo estável que lhe garanta a subsistência. Poucos são os artistas que conseguem vencer as barreiras do mercado de trabalho e viver exclusivamente de sua arte 1. Traçando um paralelo entre formação e trabalho, a docência universitária em artes aparece hoje, no Brasil, como uma das possibilidades de emprego estável de trabalho para o artista. No entanto, como fazer e ensinar arte numa instituição burocrática, repleta de normas e de critérios de avaliação, como é o caso das instituições universitárias, sejam elas públicas ou privadas? As contradições e os conflitos inerentes ao trabalho do artista plástico como professor do ensino superior no Brasil são o objeto da discussão que Célia Maria de Castro Almeida realiza no livro Ser artista, ser professor: razões e paixões do ofício, fruto de sua tese de doutorado defendida em 1992, na Faculdade de Educação da Unicamp, sob orientação de Milton José de Almeida-autor do prefácio do livro. A autora, que na ocasião da pesquisa era professora do curso de Licenciatura em Educação Artística da Unicamp, realizou entrevistas com artistas plásticos, todos professores de diferentes instituições universitárias-públicas e privadas-e focalizou múltiplos aspectos, tanto da arte como do ensino, entrelaçando-os por meio da experiência relatada pelos artistas-professores.