The critics usually consider Manuel Reina (1856-1905) a transitional author between nineteenth-century poetry and Spanish modernism. A thorough analysis of his most important work La vida inquieta (1894), published two years before Rubén Dario’s Prosas profanas , reveals, however, an innovation in aesthetics that makes him a significant forerunner. Reina contributes to turn-of-the-century Spanish poetry a renovation of the sensibility in terms of “art for art's sake,” the quest for ideal beauty, and an image of the poet as the hero for such an ideal. But the newly proclaimed faith in beauty also conveys consciousness of an emerging crisis arising from the very heart of modernity that Reina expressed through the emblematic title of his book: vida inquieta or spiritual uneasiness, doubts, spleen and complex states of mind.
Se acaba de cumplir el centenario de la publicación de La copa del rey de Thule, obra del poeta alménense Francisco Villaespesa (1877-1936), cuya primera edición se imprimió en Madrid, en el otoño de 1900. El libro, un pequeño volumen de tan sólo quince composiciones y apenas sesenta páginas, constituye la primera muestra del modernismo poético en España, como se desprende de la temprana fecha de su aparición, precediendo ese mismo año a Ninfeas y Almas de violeta, de Juan Ramón Jiménez, y anterior a obras tan significativas del primer simbolismo como Alma (1902), de Manuel Machado, o Soledades (1903), de Antonio Machado. El éxito y la repercusión del libro, importantes, a tenor de la campaña de elogios y de ataques suscitada en torno suyo, así como el carácter de manifiesto que parece asumir en relación con la nueva corriente estética, son otros tantos argumentos que deberían servir para rescatar del olvido en que, con alguna notable excepción crítica ^ se continúa relegando hoy día a Villaespesa, y reconsiderar, finalmente, el auténtico valor e in-' Son fundamentales en este sentido las aportaciones de Antonio SÁNCHEZ TRI-GUEROS, quien sin duda es referente obligado en la recuperación crítica de Villaespesa; véanse sus estudios; Francisco Villaespesa y su primera obra poética (1897-1900) (1974); «La revista «Electra» (1901). Nuevos datos. Cartas de Villaespesa. índice de autores» (1985); «Sobre el epistolario de Villaespesa a Sánchez Rodríguez (A propósito de una carta republicada)» (1988), y «Nuevas cartas de Villaespesa al poeta malagueño Sánchez Rodríguez y una lanza introductoria a su favor» (1993). Otras contribuciones de interés en estas dos últimas décadas han sido las de Ángela M. AMBROSINI, Fama e marginalità di Francisco Villaespesa. Studio sulVultimo modernista (1983); o bien las incluidas en el monográfico de la revista Las nuevas letras (1987), con colaboraciones de la propia ÁMBROSlNl, «Aventuras y excesos modernistas de Francisco Villaespesa»; Ricardo GULLÓN, «Villaespesa abanderado del modernismo», y Richard CARDWELL, «El jardín finisecular: tres fuentes de Villaespesa». Más recientes son los trabajos de Marlene GOTTLIEB, Las revistas modernistas de Francisco Villaespesa (1995) y DÍAZ DE CAS-TRO, «Francisco Villaespesa y las poéticas del fin de siglo» (1998).
El cuadro Paisaje con la caída de Ícaro de Pieter Brueghel es el punto departida de este ensayo que sirve de soporte a toda una serie de refl exiones sobrela teoría y la práctica poéticas españolas en el siglo xxi.
Resumen: A lo largo de este artículo, dividido en dos partes, se hace una valoración global de la poesía de Valente, atendiendo al especial vínculo que dentro de su obra mantuvieron la palabra-creativa y la palabra-pensamiento. En el primer apartado, «Hasta dónde llega una palabra», se muestran las reflexiones del autor acerca de «el lugar del canto», ese espacio que ya desde sus libros iniciales sintió la necesidad de levantar sobre la morada arruinada del lenguaje, en un «tiempo de miseria» y retóricas usurpadoras del verdadero decir poético. De manera paralela, se produce en Valente la conquista de una tradición literaria propia, fruto del acercamiento a las principales corrientes de la literatura, las artes plásticas, la música, la filosofía y la reflexión estética contemporánea. Los nombres de Juan Ramón, Cernuda, Celan, Jabès, María Zambrano, Webern o Tàpies representan algunos de los principales hitos dentro de ese itinerario, que tiene su reflejo más temprano en las páginas de Las palabras de la tribu y su Diario anónimo. La segunda parte, «La palabra sumergida», transita a lo largo de todos sus libros, prescindiendo de la cronología o las llamadas «etapas» de Valente, tan proclives a crear una ortodoxia en torno al autor. Con la expresión «palabra sumergida» se hace mención a distintos registros de su poética: la necesidad de mantenerse al margen de la superficie que llamamos actualidad, su acercamiento a los procedimientos creativos de la mística, su visión de lo inefable como un sustrato que forma parte de los depósitos del lenguaje o sus relaciones entre la atonalidad, el fragmentarismo y una estética del silencio. El propósito es demostrar que la palabra sumergida de Valente es una palabra afirmadora, que nunca enmudece ni cae en un nihilismo estéril. Poeta de la radical inmanencia y de la memoria material del mundo, es posible discernir a lo largo de su obra una «metafísica del arte», en los términos en que la concibieron Nietzsche o Heidegger. Palabras clave: José Ángel Valente; poesía española contemporánea, Juan Ramón Jiménez; Luis Cernuda; Valente traductor; Paul Celan; poéticas del fragmento; estética del silencio. Abstract: Through out this essay, divided into two parts, a global assessment of Valente’s poetry is made, taking into account the special link that the creative-word and the thought-word maintained in his work. In the first section, «How far does a word go», the author's reflections on «El lugar del canto» are shown, that space which he felt the need to build, on the ruined home of language from his very first books, in a «Time of Misery» and usurping rhetoric of true poetic saying. In parallel, there is the conquest of a literary tradition in Valente, the result of the approach to the main trends of literature, plastic arts, music, philosophy and contemporary aesthetic reflection. The names of Juan Ramón, Cernuda, Celan, Jabès, María Zambrano, Webern or Tàpies represent some of the main milestones within that itinerary, which has its earliest reflection in the pages of Las palabras de la tribu and Diario anónimo. The second part, «The word submerged», travels through out all his books, regardless of the chronology or the so-called «stages» of Valente, so likely to create an orthodoxy around the author. With the expression «Submerged Word» different records of his poetics are referred to: the need to stay away from the surface that we call current existence, his approach to the creative processes of mysticism, his vision of the ineffable as a substratum that is part of the deposits of language, or the relationships between atonality and fragmentation with an aesthetic of silence. The purpose is to demonstrate that Valente’s submerged word is an asserting word, which never keeps silent or leads to vain nihilism. Poet of the radical immanence and the material memory of the world, it is posible to discern through out his work a kind of «metaphysics of art», in the terms conceived by Nietzsche or Heidegger. Key words: José Ángel Valente; Spanish Contemporary poetry; Juan Ramón Jiménez; Luis Cernuda; traduction by Valente; Paul Celan; the fragmentary poetics; aesthetic of silence.
RESUMEN: Palabras a la oscuridad (1966) resulta un libro céntrico dentro de la producción literaria de Francisco Brines. En sus páginas aparecen por vez primera perfectamente perfilados su voz y su mundo poético. Esto es así porque el libro adopta un tono de ficción biográfica que crea una intimidad con el lector, y porque da cuenta de una serie de experiencias, situaciones y lugares sobre los que el poeta volverá reiteradamente en sus libros posteriores: la casa y el paisaje de Elca; su visión de lo mediterráneo, que lo convierte en un poeta de raíces clásicas y humanistas; su estancia en Oxford; sus viajes por Italia y Grecia, en los que vida y arte, tiempo y espacio, se mezclan y confunden deliberadamente; y, por último, el trascendental episodio amoroso que marcará toda su vida sentimental. Pero el estilo de Brines, aparentemente sereno y elegíaco, resulta a su vez complejo cuando se adentra en laberintos temporales, que arrojan sombras sobre la identidad y la existencia del poeta a la vez que sobre la de sus lectores. Entonces el poeta elegíaco se convierte en poeta metafísico.PALABRAS CLAVE: Francisco Brines; Palabras a la oscuridad; ficción biográfica; poesía elegíaca; poesía metafísica.
scite is a Brooklyn-based organization that helps researchers better discover and understand research articles through Smart Citations–citations that display the context of the citation and describe whether the article provides supporting or contrasting evidence. scite is used by students and researchers from around the world and is funded in part by the National Science Foundation and the National Institute on Drug Abuse of the National Institutes of Health.
customersupport@researchsolutions.com
10624 S. Eastern Ave., Ste. A-614
Henderson, NV 89052, USA
Copyright © 2024 scite LLC. All rights reserved.
Made with 💙 for researchers
Part of the Research Solutions Family.