Resumo: À luz da história dos espaços de projeção cinematográfica, este artigo tem o duplo objetivo de sugerir protótipos para uma futura sala de exibição, mais coerente com as condições do filme digital, ao mesmo tempo que oferece o cinema como paradigma para o estudo do VJing. Palavras-chave:VJing, cinema, imagem digital, arquitetura.São inúmeros os relatos que falam da autonomia da projeção nos primórdios do cinema. O fato de os filmes serem vendidos pelos produtores, ao invés de arrendados (Machado, 2002: 91), mostra como o foco da indústria no início do século passado era bem diferente do de hoje em dia. O moviegoing se configurava mais como um ir ao cinema do que um ir ver um filme -mesmo porque o "filme" se realizava na hora, como pura experiência cinematográfica. O dono de um estabelecimento tinha completo controlo editorial sobre o que exibir (Musser, 2002: 17). O operador podia usar recursos de iluminação e regular a velocidade do projetor para dar ou corrigir o sentido das imagens (Richardson 2002, 75). A música, executada em sincronia com o filme, não pertencia à obra em si, mas sim era aplicada sobre sua fruição (Aumont et al., 2005: 45). Dessa maneira, por mais que um filme se repetisse, ele nunca seria visto da mesma forma.Em 1963, Stan Brackage ainda falava na projeção como performance, isto é, prática criativa (1983: 350). Mas a marcha da indústria sobrepôs essa capacidade, ao instituir uma dinâmica comoditizada de consumo, conforme padronizações técnicas (e de linguagem) se tornavam cada vez mais necessárias para garantir a penetração de diferentes
This article examines the history and operational underpinnings of forms of volumetric reconstruction based on the capture of visual data, particularly photogrammetry. Photogrammetry is one of the chief techniques currently employed in the production of virtual replicas for heritage conservation and audiovisual production. The computational realism resulting from this process induces the belief that it is possible to recover the totality of an object from its medial traces. The author analyses how his work, as well as those of other artists, challenge this technological promise by exploring the formal idiosyncrasies of photogrammetric models.
Esse artigo examina processos tradicionalmente envolvidos nas práticas curatoriais e a maneira pela qual estas se definiriam historicamente em contraposição ao gesto artístico. Serão delineadas as origens institucionais da curadoria, a renegociação do papel do curador durante o modernismo e algumas perspectivas contemporâneas sobre a curadoria independente. Nesse percurso, analisaremos como projetos de exposição realizados tanto por curadores quanto por artistas contribuem ativamente na produção de trabalhos artísticos e na consolidação de determinadas técnicas e linguagens. Por fim, procuraremos sustentar que as práticas curatoriais constituem uma forma de design, podendo ser mais bem compreendidas em termos de arranjos expositivos (exhibition designs).
This paper seeks to provide historical references for the examination of contemporary forms of vertical moving images, often considered “wrong” due to their incompatibility with the audiovisual standards established in the West. Deploying an archaeological approach, the paper identifies expressions of verticality in moving images since their first modern developments, encompassing both the birth of cinema and the emergence of video art circuits in the 1980s-90s. These cases serve to underscore the disputed mediality of audiovisual systems. This paper concludes by showing how the negotiation of medium specificities continues through networked platforms and curated events, creating possibilities for the emergence of new technological art forms.
In the mid-2010s, a number of renowned museums and galleries across the world held retrospective exhibitions positioning digital arts within western art history. While inscribing some techno-aesthetic forms and behaviours into the contemporary arts institution, these exhibitions nevertheless cemented the exclusion of others. By examining the role and shortcomings of curatorial practices in this process, this article seeks to frame curating as an art of inclusion able to carve institutional and epistemic space for otherness. In doing so, I argue for the relevance of devices for noticing, defined as a range of tactics that enable the apprehension of digital vernaculars – everyday, ‘lower’ expressions of digital media culture – within institutional sites and discourses. Through these tactics, curators may provoke under-represented cultural actors, forms and behaviours into recognition, reverse the violence of institutional occlusion, and fertilize art histories.
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