This article analyzes the dynamics of the new and current collaboration between the Montreal-based Bozzini String Quartet and female electronic music pioneer Éliane Radigue. Starting in the late 1960s, Radigue’s electronic music career has been characterized by seemingly unchanging hour-long pieces in which organic micro oscillations between pitches replace traditional rhythm. Since 2001, Radigue has turned to working with instrumentalists, using an “intuitive-instinctive compositional process” akin to “oral transmission of ancient traditional music” (Sonami 2017). While the few academics that have shown interest in Radigue’s instrumental music have focussed their attention on the oral aspects of her compositions, this paper seeks to move beyond non-written formal parameters of her music, and explore the ways in which the actual sound of a Radigue piece generates radically new understandings of performance and composition. Drawing on field notes and recordings of the Bozzini rehearsals at Radigue’s apartment on July 2017, as well as on the author’s correspondence with Radigue and the quartet, this paper highlights moments of strong emotional response to, or caused by, Radigue’s sound. Affective reactions on both Radigue’s and the quartet’s side reveal points of tension between different assumptions regarding collective creation, and completely reorient what it means to own, to transmit, to perform and to compose music. Spectrograms and recordings of the Bozzini’s attempts to create a Radigue sound will be used to further analyze these points of tension, and will reveal that in order to successfully play a Radigue instrumental piece, the Bozzinis need to reproduce every element of Radigue’s previous electronic music—the string quartet needs to “become” Radigue’s electronic instrument.
Depuis vingt ans cette année (2019), le Quatuor Bozzini (qb) 3 oeuvre dans les domaines des musiques nouvelles, expérimentales et classiques. À ce jour, l'ensemble a produit 21 saisons, la plupart affichant plus de 50 concerts tant au Québec qu'à l'international. Ses saisons comportent également des projets de longue haleine tels Composer's Kitchen, Performer's Kitchen, Bozzini Lab, la série Focus, et 28 albums, dont 16 endisqués sur sa propre étiquette, Collection qb 4 . Le Quatuor Bozzini compte plus de 150 collaborations, très souvent de longue durée, avec des interprètes, de jeunes compositeurs et compositrices, des artistes établis, des chorégraphes, des metteurs en scène et des diffuseurs. Il a commandé au fil des ans près de 200 oeuvres et en a créé plus de 300.Tel que souligné par la citation en exergue du quotidien The Guardian, qb est reconnu par la critique et par ses collaborateurs pour son audace. Cette audace se traduit, entre autres, par un certain type de répertoire dans lequel l'ensemble s'impose, soit celui de la musique dite expérimentale, ou même underground. Par exemple, dès ses premières saisons, le Quatuor Bozzini se fait grand promoteur de la musique des compositeurs du collectif Wandelweiser, et il est parmi les premiers ensembles à jouer Jürg Frey, Antoine Beuger, Burkhard Schlothauer et Michael Pisaro 5 . qb est devenu spécialiste de cette musique lente, très douce, où « le silence occupe une place de choix » et où « l'harmonie, le rythme et la mélodie jouent un rôle
Cette enquête recueille les témoignages de cinq important.es collaborateur.rices de Pascal Dusapin, soit Barbara Hannigan, Armand Angster, Julien Bilodeau, Julie-Anne Derome et Samy Moussa. Contacté.es au printemps 2018, ils et elles ont partagé certains détails de leurs échanges avec Dusapin par voie écrite ou par l’entremise d’une entrevue, en présentant les raisons qui les ont mené.es vers le compositeur, ainsi que l’impact que cette rencontre marquante a eu sur leur vie artistique. En offrant des souvenirs et histoires allant de 1984 à aujourd’hui, chaque collaborateur.rices décrit une facette à la fois différente et similaire de l’univers créatif du compositeur ; différente dans le contexte et l’exemple donné, mais toujours similaire en ce qui a trait au moteur créatif chez Dusapin, soit la recherche libre d’« émotions nouvelles » par l’entremise de la rencontre, esthétique et personnelle.
Who is Barbara Hannigan, as a singer, performer, conductor, mentor, and community-involved musician? What is the impact of her personality on the music scene? How has her artistic character evolved throughout her formative and professional years? With these questions in mind, I interviewed five of Hannigan’s closest, and most important collaborators and mentors: Hans Abrahamsen, George Benjamin, Gary Kulesha, Mary Morrison and Thomas Morris. Individually, the interviews shed light on specific phases and events in Hannigan’s career, from her undergraduate studies to the present. Taken as a whole, they open the door to understanding Barbara Hannigan as a complete—and completely fearless—artist.
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